Orchestra Tiepolo Barocca del FVG
Orchestra Mitteleuropea “Lorenzo da Ponte” 
Venice Monteverdi Academy Choir
Direttore Roberto Zarpellon

Programma
Maria Anna von Raschenau, Le sacre stimmate di San Francesco d’Assisi

Una Prima Mondiale, la prima esecuzione in tempi moderni, a oltre trecento anni dalla composizione, dell’oratorio Le sacre stimmate di San Francesco d’Assisi di Maria Anna von Raschenau, compositrice barocca viennese. L’iniziativa, promossa dalla Fondazione Friuli con “La Via delle Arti” di Porcia e il Teatro Verdi, si colloca nel percorso verso Pordenone Capitale italiana della cultura 2027 e nelle celebrazioni per l’ottavo centenario della morte di San Francesco.

Canonichessa e Chormeisterin nel convento viennese di San Giacomo, la Raschenau compose l’opera per la visita dell’imperatore Leopoldo I nel 1695; il manoscritto si conserva oggi alla Biblioteca Nazionale Austriaca. L’esecuzione, diretta da Roberto Zarpellon con strumenti d’epoca e approccio filologico, vedrà unite l’Orchestra Tiepolo Barocca del FVG, l’Orchestra Mitteleuropea “Lorenzo da Ponte” e il Venice Monteverdi Academy Choir.

L’oratorio racconta la stimmatizzazione di San Francesco sulla Verna, fondendo contrappunto viennese e stile italiano. L’evento celebra anche gli 80 anni del voto alle donne italiane, come omaggio al genio femminile del passato.

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in collaborazione con Le Giornate del Cinema Muto

Un capolavoro epico che ha segnato la storia del cinema, The Iron Horse (Il cavallo d’acciaio, 1924) di John Ford è molto più di un classico western, è un’epopea visiva che fonde azione mozzafiato, spettacolari paesaggi e una vibrante storia d’amore. Al centro, la monumentale impresa della costruzione della prima ferrovia transcontinentale americana, compiuta tra il 1863 e il 1869. L’imponente messa in scena, concepita originariamente per competere con le più imponenti produzioni hollywoodiane dell’epoca, ci porta indietro nel tempo tra audaci pionieri e sconfinate praterie. Alternando sapientemente il respiro del grande dramma storico a geniali e leggeri tocchi di commedia, questo capolavoro western di un secolo fa rimane un’esperienza cinematografica totalizzante e di straordinaria modernità. La sua potenza visiva, esaltata dalla magia e dall’energia della partitura orchestrale di John Lanchbery eseguita dal vivo, saprà affascinare e tenere col fiato sospeso gli spettatori di ogni età.

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Programma
musiche di Sollima, Melozzi, Purcell, Bach, Pink Floyd, Nirvana, Bowie, Geminiani, Boccherini

Crediti foto: Marco Borrelli

Nel marzo 2012, durante l’occupazione del Teatro Valle di Roma, Giovanni Sollima ed Enrico Melozzi lanciarono sui social una chiamata: chiunque suonasse il violoncello era invitato a presentarsi. Si presentarono in cento. Da quell’esperimento nato per gioco è uscito uno dei progetti concertistici più seguiti d’Europa: un’orchestra aperta, trasversale, in cui grandi professionisti, studenti e appassionati suonano insieme, e ogni tappa aggiunge nuovi membri locali alla formazione. In ogni città il concerto è diverso. Sollima, compositore e violoncellista che ha suonato con Abbado, Muti e Yo-Yo Ma, scrive musica in cui composizione e improvvisazione si mescolano fino a diventare indistinguibili. Il risultato è una massa sonora che sfrutta l’intero registro dello strumento, con una fisicità che nessuna registrazione restituisce.

CALL PER SUONARE COI “100 CELLOS”

Se sei un violoncellista, professionista, studente o anche dilettante, puoi unirti ai 100 Cellos per suonare durante questo concerto! 

Compila questo form e invia la tua candidatura.

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regia
Pierfrancesco Favino

Crediti foto: Enrico De Luigi

Lo spettacolo prevede scene con effetti stroboscopici che potrebbero disturbare il pubblico fotosensibile.

Debutto alla regia di Pierfrancesco Favino, che mette in scena il testo di Duncan Macmillan, fra gli autori più importanti della drammaturgia inglese contemporanea, capace di osservare il presente con precisione emotiva, ironia e tensione narrativa.

People, Places & Things affronta il tema della dipendenza senza moralismi né semplificazioni, trasformandolo in un racconto umano, duro e sorprendentemente vitale. Al centro della vicenda c’è Emma, attrice di successo che precipita progressivamente dentro una frattura personale e psicologica che la costringe a confrontarsi con alcol, droghe e con tutto ciò che utilizziamo per evitare di guardarci davvero dentro.

In scena Anna Ferzetti attraversa questo personaggio con un’interpretazione intensa e mutevole, accompagnata da un corposo e solidissimo ensemble attoriale. La regia di Favino alterna realismo, vertigine emotiva e improvvise fratture percettive, trascinando lo spettatore dentro la percezione instabile della protagonista.

Grande scrittura contemporanea, intensità attoriale e una continua alterazione del punto di vista trasformano così il palco in uno spazio in cui identità, desiderio e dipendenza finiscono costantemente per sovrapporsi e confondersi.

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Crediti foto: Peter Adamik

Cristian Măcelaru dirige la GMJO in un programma costruito su due capolavori che hanno in comune il tema della perdita. Il Concerto per violoncello di Dvořák fu scritto a New York nel 1895, durante il soggiorno americano del compositore: la Boemia era lontana, e in quel canto del violoncello — affidato a Julia Hagen, violoncellista salisburghese tra le rivelazioni della sua generazione — si sentono nostalgia e fascino intrecciarsi in un arco melodico di straordinaria continuità. La Patetica di Čajkovskij, scritta nell’estate del 1893 pochi mesi prima della sua morte, è il congedo del compositore dal mondo e da se stesso: una sinfonia che rinuncia al finale trionfale e si chiude nell’Adagio lamentoso. Due pagine in cui la grandezza del gesto sinfonico non nasconde ma porta in primo piano qualcosa di irrimediabilmente personale.

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Il progetto pluriennale GMJO del Teatro Verdi Pordenone è sostenuto da Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia.

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in collaborazione con Associazione “Amici della Musica S. Gandino” – Porcia

Domenica 15 novembre il palco del Teatro accoglierà i finalisti del 36° Concorso Internazionale “Città di Porcia”, quest’anno dedicato alla tuba.
In programma musiche di Lundquist, Williams.

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consigliato dai 2 ai 5 anni

SDENG! nasce attorno a una tensione semplice e profonda: il desiderio dei bambini di muoversi, esplorare, inventare e il momento in cui questo slancio incontra una forma, una regola.

Al centro del lavoro c’è Guglielmo, un inventore instancabile. Con una chiave inglese che è insieme attrezzo reale e bacchetta magica, trasforma ciò che incontra, apre possibilità, devia le funzioni degli oggetti, costruisce piccoli mondi. La scena diventa così un cantiere poetico in cui materia, corpo e immaginazione entrano continuamente in relazione.

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L’incontro fra due degli autori italiani più significativi degli ultimi vent’anni, Mattia Torre e Fausto Paravidino. Torre è stato capace come pochi di trasformare le contraddizioni della vita contemporanea in una comicità feroce, umanissima e profondamente malinconica. Dai lavori teatrali a Boris, fino a La linea verticale e Figli, la sua scrittura ha raccontato fragilità, nevrosi e assurdità del presente attraverso personaggi sempre concreti, vitali e pieni di contraddizioni.

L’adattamento teatrale della sceneggiatura di Figli è affidato a Fausto Paravidino, che ne cura anche la regia, attraversando il racconto di una coppia alle prese con la genitorialità, la stanchezza quotidiana, il senso di inadeguatezza e il tentativo continuo di restare vivi dentro una vita che sembra correre più veloce di loro.

Protagonisti dello spettacolo sono Edoardo Pesce — fra gli attori più apprezzati del cinema italiano contemporaneo, interprete fra gli altri del Dogman di Matteo Garrone — e Silvia D’Amico, attrice capace di muoversi con naturalezza fra cinema, serialità e teatro.

Comicità, dolore, tenerezza e smarrimento convivono dentro un racconto che osserva la famiglia contemporanea senza idealizzarla mai, trovando nella fatica quotidiana, nei piccoli fallimenti e nelle paure più intime una forma di umanità immediata e riconoscibile.

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Crediti foto: Andrea Macchia

Alice Sinigaglia e Benedetta Parisi lavorano insieme a un monologo che mescola scrittura teatrale, comicità e linguaggi vicini alla stand-up comedy, partendo da un’esperienza autobiografica: il funerale della nonna della protagonista e tutto ciò che quel momento fa esplodere dentro una famiglia e una piccola comunità di provincia.

Fra parenti ingestibili, rituali sociali, ricordi, rabbia trattenuta e continue deviazioni comiche, il racconto procede oscillando fra confessione personale e osservazione feroce. Il lutto diventa così anche il punto da cui riaffiorano tensioni familiari, bisogno di attenzione, desiderio di essere ascoltati e incapacità di comportarsi “nel modo giusto” perfino davanti alla morte.

All’interno di una forma scenica molto libera in cui trovano spazio cortocircuiti inattesi, come un frammento di Filumena Marturano di Eduardo De Filippo, Funerale all’italiana trasforma una situazione quotidiana e riconoscibile in un racconto teatrale intimo, comico e malinconico.

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Crediti foto: Iwaszko

Miguel Czachowski porta Indialucia su un terreno che il tāla e il compás condividono da secoli senza saperlo: sitar, tabla e cajón affiancano il flamenco alla musica classica indiana rivelando un’affinità strutturale. Due sistemi, il ritmo e il virtuosismo, che hanno sviluppato in modo indipendente risposte simili alla stessa questione su come corpo e suono si organizzano insieme. La precisione esecutiva ai limiti della perfezione di questo ensemble formato da artisti provenienti da tre Paesi diversi esalta la straordinaria espressività che ha reso Indialucia un progetto tanto richiesto dal pubblico internazionale.

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