Uno degli spettacoli più applauditi e attesi dell’intera stagione italiana arriva dunque sul palco pordenonese: la nuova, vibrante edizione della celebre commedia di Aristofane, è affidata all’autorevolezza interpretativa di Lella Costa nel ruolo di “colei che scioglie gli eserciti”, come suggerisce il significato stesso del nome Lisistrata. Una figura femminile potentissima, ironica, visionaria e rivoluzionaria, che ancora oggi continua a interrogare il presente con sorprendente attualità.

Scritta nel 411 a.c., nel pieno della guerra del Peloponneso, Lisistrata nasce infatti dentro un mondo devastato dal conflitto, dove gli uomini sono tutti al fronte e la pace sembra ormai impossibile. È in questo scenario che Lisistrata convince le donne di tutta la Grecia a unirsi in uno sciopero del sesso destinato a interrompersi soltanto quando gli uomini decideranno finalmente di fermare la guerra. Un’idea scandalosa, provocatoria e geniale che Aristofane trasforma in una satira travolgente, ma anche in una profonda riflessione sul potere, sulle relazioni tra uomini e donne, sulla politica e sulla possibilità concreta del cambiamento.

“Fate l’amore, non fate la guerra”: il celebre slogan pacifista degli anni Sessanta sembra già risuonare nelle parole di Aristofane, e proprio questa straordinaria capacità del testo di parlare ancora al nostro presente è al centro della nuova messinscena firmata da Sinigaglia. Dopo i successi di Supplici e L’Empireo, la regista ritorna al Verdi con uno spettacolo che intreccia comicità, tensione politica ed energia scenica, grazie a un cast di grande intensità composto da Giorgia Senesi, Maria Pilar Pérez Aspa, Irene Serini, Francesco Migliaccio, Stefano Orlandi e Marco Brinzi.

Lella Costa restituisce a Lisistrata tutta la sua forza ironica e insieme profondamente umana. La sua protagonista è una donna lucida, determinata, capace di trasformare un gesto individuale in un atto collettivo, di opporsi alla logica della guerra e di rivendicare il diritto alla pace, alla vita e all’amore. Ne nasce uno spettacolo spiazzante, sfacciato, intenso e provocatorio, che unisce il respiro del teatro classico alle inquietudini del presente.

La replica di giovedì 14 maggio segna l’ultimo appuntamento stagionale con il progetto “Teatro No Limits”, il nuovo percorso di accessibilità attivato quest’anno dal Teatro Verdi di Pordenone in collaborazione con il Centro Diego Fabbri di Forlì per consentire anche alle persone non vedenti e ipovedenti di seguire gli spettacoli grazie a un sistema di audiodescrizione dal vivo.

In attesa delle novità che percorreranno l’estate firmata dal Teatro Verdi, Lisistrata chiude una programmazione Prosa che ha portato a Pordenone alcuni dei più amati interpreti della scena, alternando drammaturgie contemporanee e riletture di grandi classici. Anche in questa occasione il “Caffè Licinio” sarà aperto dalle 19.00 per un aperitivo o per un buffet pre-spettacolo. Si può prenotare a: biglietteria@teatroverdipordenone.it

Ufficio stampa Teatro Verdi Pordenone: stampa@teatroverdipordenone.it

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Sono unici, e non è un modo di dire. Nati quasi per caso nel 1972 da una produzione radiofonica dell’Hymnus di Julius Klengel, I 12 Violoncelli dei Berliner Philharmoniker si sono progressivamente affermati come una vera e propria leggenda della musica, una “orchestra nell’orchestra” capace di ridefinire i confini espressivi del proprio strumento. Oltre cinquant’anni di attività, tournée nei cinque continenti, riconoscimenti prestigiosi come l’Echo Klassik e una presenza costante nei più importanti contesti istituzionali e concertistici – fino a esibirsi davanti a capi di Stato e alle più alte cariche internazionali – raccontano una storia di eccellenza assoluta e di continua evoluzione.

Ciò che rende questa formazione così speciale è una combinazione rara di perfezione tecnica, profondità timbrica e libertà creativa. I loro concerti non sono semplici esecuzioni, ma autentici viaggi sonori, esperienze immersive in cui il violoncello si moltiplica, si trasfigura, diventa orchestra sinfonica, ensemble cameristico, perfino big band. Un caleidoscopio di colori e suggestioni che attraversa i generi in un cross over che accosta con sorprendente naturalezza repertorio classico e contaminazioni jazz, il tango e le colonne sonore, in un dialogo continuo tra tradizione e invenzione che conquista ascoltatori di ogni età.

Il programma scelto per la serata pordenonese è, in questo senso, un vero manifesto della loro straordinaria versatilità. Si apre con le Bachianas Brasileiras n. 1 di Heitor Villa-Lobos, pagine che fondono la lezione di Bach con il respiro ritmico della musica brasiliana, per poi approdare alla dimensione sospesa e contemplativa di Fratres di Arvo Pärt. Accanto a questi capolavori, trovano spazio incursioni nella chanson francese con Sous les ponts de Paris e Fleur de Paris, restituite con eleganza e spirito, prima di un secondo tempo che amplia ulteriormente l’orizzonte espressivo: dai ritmi brillanti e leggeri di Tea for Two alle suggestioni del grande cinema firmate da Nino Rota ed Ennio Morricone, fino alla poesia impressionista di Clair de lune di Claude Debussy. Gran finale affidato all’intensità e alla malinconia del tango di Astor Piazzolla, per un percorso musicale che attraversa epoche e linguaggi con sorprendente coerenza.

È proprio questa capacità di reinventare la musica, di darle nuova vita attraverso una formazione inusuale e affascinante, a rendere I 12 Violoncelli dei Berliner Philharmoniker un fenomeno unico nel panorama internazionale. Un ensemble che unisce rigore e libertà, virtuosismo e leggerezza, profondità e ironia, mantenendo sempre una straordinaria qualità del suono e una sensibilità interpretativa fuori dal comune. Il Teatro Verdi di Pordenone, ancora una volta, si conferma crocevia privilegiato della grande musica, capace di portare sul proprio palcoscenico artisti e formazioni di assoluto rilievo mondiale. E se il sold out preannunciato è il segnale più evidente dell’attesa, sarà l’atmosfera stessa della sala, densa di attenzione e partecipazione, a restituire fino in fondo la portata di un evento che si annuncia già memorabile, destinato a lasciare un’impronta profonda nella programmazione musicale del Verdi e nella memoria del pubblico. Sul palco Ludwig Quandt, Uladzimir Sinkevich, Solène Kermarrec, Nikolaus Römisch, Christoph Igelbrink, Olaf Maninger, Martin Menking, Knut Weber, Stephan Koncz, David Riniker, Moritz Huemer, Martin Löhr.

Come di consueto, il “Caffè Licinio” sarà aperto dalle 19.00 per un aperitivo o per un buffet pre-spettacolo. Si può prenotare a: biglietteria@teatroverdipordenone.it

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Tratto dall’omonimo romanzo – acclamato anche dal New York Times, tradotto in tutta Europa e negli Stati Uniti – lo spettacolo, freschissimo di debutto a Lugano e dopo sole due tappe in altrettanti teatri italiani, arriva al Teatro Verdi di Pordenone mercoledì 29 e giovedì 30 aprile in esclusiva per il Nordest (inizio ore 20.30). Nuova produzione di LAC Lugano (in coproduzione con Scarti Centro di Produzione Teatrale d’Innovazione, Piccolo Teatro di Milano Teatro, Stabile dell’Umbria e Teatro Nazionale di Genova), I miei stupidi intenti conferma il percorso di ricerca di VicoQuartoMazzini, tra le realtà più vitali della scena contemporanea. Il romanzo – e lo spettacolo – raccontano la storia di Archy, una giovane faina che tradisce la propria natura e abbandona una vita di stenti e bestialità per inseguire una domanda radicale: il senso della vita e Dio. Resa zoppa e venduta dalla madre, Archy viene acquistata da una vecchia volpe usuraia che le rivela il potere della parola scritta attraverso un misterioso libro sacro. Da quel momento si apre per lei una nuova percezione del tempo, della memoria e della morte, in un percorso che è insieme ascesa e caduta, rivelazione e smarrimento. Ne emerge una riflessione profonda e perturbante: cosa ci libera dallo stato animale? Cosa permette di superare le passioni più basse per elevarsi a una forma più alta e consapevole? E soprattutto, qual è la verità? Domande che attraversano la scena e chiamano in causa direttamente lo spettatore.

La regia di Altamura e Paolocà, fondatori e anime della compagnia, traduce l’universo di Zannoni in un linguaggio scenico capace di coniugare forza mitica e tensione filosofica. «Tradurre sulla scena l’universo estetico evocato da Zannoni ci è sembrato stimolante – spiegano –. Il contesto in cui fa abitare la sua parola, apre a possibilità narrative dal sapore ancestrale e al contempo iper-innovativo, che ci ha spinti a cercare un approccio registico inconsueto, altrettanto perturbante. La necessità di rimettere il Teatro al centro del discorso pubblico combacia con l’urgenza di affrontare i temi del presente e la violenza dei suoi cambiamenti».

In scena un cast affiatato: accanto a Cederna e gli stessi registi, Leonardo Capuano, Jonathan Lazzini e Arianna Scommegna, chiamati a dare corpo a un universo sospeso tra allegoria e concretezza. Le scene di Daniele Spanò, le luci di Giulia Pastore e le musiche originali di Demetrio Castellucci costruiscono un impianto visivo e sonoro fortemente evocativo. Dopo il successo de La ferocia, tratto dal successo editoriale di Nicola Lagioia, che è valso alla compagnia 4 Premi Ubu, VicoQuartoMazzini prosegue così la propria esplorazione della letteratura contemporanea italiana, confermando una ricerca che unisce rigore, immaginazione e tensione civile. I miei stupidi intenti si impone come un’esperienza teatrale intensa e stratificata, capace di parlare al presente attraverso una storia antica e universale: quella del desiderio – forse impossibile ma irriducibile – di diventare altro da sé.

Come di consueto il “Caffè Licinio” aprirà dalle 19.00 per un aperitivo o per un buffet pre-spettacolo. Per prenotazioni biglietteria@teatroverdipordenone.it

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Due capolavori, due universi emotivi contrapposti e complementari: “Stabat Mater” su musica di Giovanni Battista Pergolesi e “Carmina Burana” su musica di Carl Orff. Un doppio affresco coreografico che attraversa la condizione umana in tutte le sue tensioni, sospesa tra spiritualità e istinto, raccoglimento e vitalità, meditazione e impulso vitale.

Il Balletto del Teatro Nazionale Sloveno di Maribor – tra le principali istituzioni culturali della Slovenia, con quasi un secolo di storia – approda a Pordenone dopo aver calcato i palcoscenici dei più prestigiosi festival internazionali, confermandosi come una compagnia capace di fondere tradizione e innovazione in un linguaggio scenico di forte impatto visivo.

Nel primo quadro, “Stabat Mater” si confronta con uno dei temi più iconici della tradizione occidentale: la Vergine addolorata ai piedi della croce. Ma Clug evita ogni lettura puramente illustrativa o devozionale e sposta l’asse emotivo dell’opera: al centro non è tanto il dolore, quanto ciò che da esso scaturisce, la speranza. La figura di Maria viene così sottratta alla fissità dell’icona sacra per diventare presenza umana, fragile e universale. Il coreografo traduce la partitura di Pergolesi in un linguaggio essenziale, fatto di gesti scolpiti e relazioni intime sul rapporto madre-figlio: una meditazione coreografica che non guarda solo alla perdita, ma alla sua capacità di generare senso.

A questa dimensione verticale e introspettiva si contrappone la travolgente energia dei “Carmina Burana”, celebre cantata scenica di Orff ispirata a testi medievali. Qui la danza si fa forza primitiva, slancio vitale, celebrazione della forza ciclica della natura e dell’imprevedibilità della Fortuna. Clug ne esalta la componente dionisiaca e giovanile, senza rinunciare a un sottile senso di inquietudine e rigenerazione, costruendo una potente allegoria del vivere. “Una coreografia ricca di riferimenti allegorici che trasforma la quotidianità in una visione atemporale”, afferma lo stesso Clug, che negli ultimi vent’anni ha guidato il Balletto di Maribor verso un riconoscimento internazionale sempre più ampio. Questo dittico di straordinaria intensità intreccia i temi universali del dolore, della speranza e del destino nella forma simbolica del cerchio, immagine perfetta della vita che continuamente si rinnova. Il linguaggio coreografico, moderno e minimale, unito alla forza evocativa delle musiche, amplifica la profondità emotiva di uno spettacolo che si offre come esperienza immersiva dove il gesto scultoreo e la sobrietà della scena amplificano la profondità emotiva della musica. Una potente allegoria sulla condizione umana, “sospesa tra la ricerca del trascendente e l’accettazione della travolgente e terrena gioia di vivere”. Questo nuovo, imperdibile appuntamento con la grande danza conferma il Teatro Verdi di Pordenone come crocevia di eccellenza artistica, capace di portare sul territorio produzioni di altissimo livello e di dialogare con il pubblico attraverso linguaggi universali e contemporanei.

Ad arricchire la serata, il “Caffè Licinio” sarà aperto dalle 19.00 per aperitivi e buffet pre-spettacolo (prenotazioni in biglietteria: biglietteria@teatroverdipordenone.it).

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Il romanzo di McCann è un caleidoscopio di mille e uno frammenti, come se solo una forma aperta, mobile, infinitamente sfaccettata potesse provare a restituire la complessità di una terra e di una storia che rifiutano semplificazioni, i brandelli di un conflitto apparentemente senza soluzione. L’apeirogon, figura geometrica dai lati infiniti, diventa così immagine potente di un conflitto che non può essere osservato da un solo lato, né compreso da un unico punto di vista. Infiniti sono gli angoli, gli sguardi, le contraddizioni; e dentro questo caos restano due padri, uniti da uno stesso strazio e da una stessa ostinata volontà di non lasciare l’ultima parola alla violenza.

Apeirogon acquista ancora più pregnanza oggi, quando l’ennesimo conflitto mediorientale ci getta in faccia ogni giorno nuove stragi di innocenti. Così anche lo spettacolo giunge al Verdi con una forza che oggi si fa ancora più urgente. La vicenda di Rami e Bassam non è solo una straziante denuncia: è anche un flebile e tenace sogno di umanità possibile. È un teatro che non offre scorciatoie ma apre uno spazio di comprensione: nella geometria dell’apeirogon, ogni punto può essere raggiunto, anche quello che oggi sembra più lontano.

Ad accompagnare la serata ci sarà anche una proposta speciale riservata ai possessori di biglietti e abbonamenti: un aperitivo-degustazione esclusivo al costo di 10 euro, da gustare prima o dopo lo spettacolo presso l’Osteria All’Ombra, in viale Martelli 4/b, a pochi passi dal Teatro. Un’occasione pensata per prolungare l’esperienza della visione in un tempo di convivialità e condivisione, tra riflessioni, emozioni e valorizzazione delle eccellenze locali.

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Dopo i primi appuntamenti che hanno attraversato repertori e formazioni differenti, la rassegna prosegue con una delle sue tappe più intime e raccolte. Venerdì 17 aprile alle 20.30 in Sala Palco protagonisti saranno Ludovico e Leonora Armellini, fratelli nella vita e partner artistici, impegnati in un programma che riporta al centro della scena il dialogo classico tra violoncello e pianoforte.

Il loro è un incontro musicale che nasce da una complicità profonda, capace di trasformare la scrittura in conversazione e il suono in gesto condiviso. Il programma attraversa il tardo Romanticismo e il primo Novecento, accostando pagine di rara esecuzione a uno dei vertici del repertorio cameristico. Si apre con la Sonata breve di Silvio Omizzolo, articolata in tre movimenti che alternano leggerezza, eleganza e tensione espressiva, per poi proseguire con le variazioni “Kultaselle” di Ferruccio Busoni, dove il tema popolare finlandese diventa terreno di raffinata elaborazione. A queste si affianca l’Andante sostenuto di Guido Alberto Fano, pagina di intensa cantabilità e lirismo sospeso, prima di approdare al cuore del concerto: la Sonata per violoncello e pianoforte in sol minore op. 65 di Frédéric Chopin. Opera tarda e profondamente introspettiva, la Sonata rappresenta una delle espressioni più alte della scrittura cameristica chopiniana, in cui la tensione tra i due strumenti si traduce in un equilibrio delicato tra slancio lirico e densità formale. L’intero programma si configura così come un itinerario nel quale la dimensione affettiva e quella architettonica della musica si intrecciano costantemente: un percorso che trova nella relazione tra i due interpreti il proprio fulcro espressivo, restituendo al pubblico un’esperienza d’ascolto diretta, essenziale e profondamente condivisa.

Come per gli altri appuntamenti della rassegna, anche questa serata sarà accompagnata da una proposta speciale dedicata al pubblico: un aperitivo-degustazione riservato ai possessori di biglietti e abbonamenti, disponibile al costo di 10 euro presso l’Osteria “All’Ombra”, a pochi passi dal Teatro. Un’occasione per prolungare l’esperienza musicale in un momento di convivialità e confronto, tra suggestioni sonore e sapori del territorio.

Informazioni e biglietti presso la biglietteria del Teatro Verdi di Pordenone e online.

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Al centro del nuovo appuntamento, il mondo delle piante alimurgiche – quelle specie spontanee tradizionalmente utilizzate a scopo alimentare – insieme alla cultura delle tisane e dei fiori di montagna, oggi sempre più presenti nell’immaginario contemporaneo, ma spesso raccontati attraverso narrazioni semplificate o distorte. Se da un lato il fenomeno del foraging conosce una nuova popolarità, dall’altro molte delle conoscenze legate a queste pratiche si sono progressivamente perdute, mentre il marketing tende a evocare una spontaneità che raramente corrisponde ai reali processi produttivi.

A guidare il pubblico in questa riflessione saranno Antonio Sarzo, insegnante, naturalista e geografo, ed esperto di piante alimurgiche, e Carlo Santarossa, dottore agronomo e produttore di tisane. Due prospettive complementari che intrecciano saperi scientifici e pratiche produttive, offrendo uno sguardo articolato tra origine, proprietà e utilizzi delle piante spontanee, ma anche tra miti, leggende e conoscenze empiriche sedimentate nel tempo. Attraverso il loro dialogo emergerà una visione che restituisce complessità al tema della relazione tra uomo e ambiente, tra cultura materiale e biodiversità. Le piante spontanee diventano così una chiave di lettura per interrogarsi sul valore della conoscenza locale, sulla trasformazione dei paesaggi e sul rapporto, sempre più fragile, tra autenticità e rappresentazione. Come negli altri appuntamenti della rassegna, anche questo incontro invita a superare letture superficiali, proponendo strumenti critici per distinguere tra pratiche realmente radicate nei territori e costruzioni simboliche che ne sfruttano l’immaginario. Perché il cibo, ancora una volta, non è solo nutrimento, ma racconto: di un ambiente, delle sue trasformazioni e della responsabilità con cui scegliamo di abitarlo. A condurre l’incontro sarà Mauro Varotto, geografo dell’Università di Padova e curatore della rassegna, con l’introduzione dell’artista Diego Dalla Via.

Info stampa: Ufficio stampa Teatro Verdi Pordenone: stampa@teatroverdipordenone.it

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Al centro della serata, un programma che accosta due capolavori assoluti, capaci di restituire “due paesaggi dell’anima” profondamente diversi ma complementari: il Concerto per pianoforte n. 20 in re minore K 466 di Mozart e la Sinfonia n. 4 in la maggiore “Italiana” di Mendelssohn . Un percorso musicale che, come suggeriscono le note di sala, si sviluppa idealmente “dalle tenebre alla luce”, trasformando inquietudine e tensione in una luminosa affermazione di vita.

Protagonista assoluto della serata è Louis Lortie, pianista franco-canadese acclamato nei principali centri musicali d’Europa, Asia e Stati Uniti, celebre per una cifra interpretativa che coniuga profondità, libertà e visione. La critica internazionale ne sottolinea da tempo la qualità distintiva: uno stile “puro e immaginativo”, capace di unire spontaneità e maturità, qualità che appartengono solo ai grandi interpreti. Forte di un repertorio vastissimo e di una carriera trentennale ai massimi livelli, Lortie è oggi considerato un riferimento per il grande repertorio pianistico, da Beethoven a Chopin fino al Novecento, oltre che protagonista di una ricca discografia e presenza costante nelle più prestigiose sale da concerto del mondo.

Accanto a lui, l’Orchestra da Camera di Mantova, tra le eccellenze italiane più riconosciute a livello internazionale. Fondata nel 1981, si distingue per una concezione cameristica del suono, fondata su ascolto reciproco, coesione e qualità timbrica, che le è valsa il Premio Abbiati della critica musicale. Protagonista di tournée in Europa, America e Asia, l’ensemble collabora stabilmente con direttori e solisti di primo piano, costruendo nel tempo un’identità artistica solida e riconoscibile.

Sul podio, Hossein Pishkar, direttore iraniano in rapida ascesa, già ospite di importanti orchestre europee e internazionali – dalla Beethoven Orchester Bonn alla Filarmonica di Belgrado, dalla NDR Radiophilharmonie all’Orchestre Philharmonique de Strasbourg – e vincitore del prestigioso Deutschen Dirigentenpreis . Il suo gesto unisce precisione, energia e sensibilità teatrale, qualità che lo rendono interprete ideale per un programma così ricco di contrasti espressivi.

Il cuore musicale della serata si articola attorno a due opere composte da autori poco più che ventenni, ma già capaci di visioni profondissime. Il Concerto K 466 di Mozart, tra i più celebri e amati, si distingue per il suo carattere drammatico e inquieto: scritto in re minore, tonalità associata al registro tragico, si muove tra tensione, oscurità e improvvisi bagliori lirici, anticipando sensibilità pienamente romantiche. Il dialogo tra pianoforte e orchestra si carica di energia e contrasto, dando vita a una partitura intensa, quasi “beethoveniana” ante litteram. Di segno opposto la Sinfonia n. 4 “Italiana” di Mendelssohn, nata dall’esperienza del viaggio in Italia e intrisa di luce, movimento e vitalità. Qui la scrittura orchestrale si apre a colori brillanti, ritmi danzanti e una gioia contagiosa, culminando nel celebre Saltarello finale. Un’opera che restituisce l’immagine di un’Italia luminosa e idealizzata, capace di trasformarsi in pura energia musicale.

Un concerto che si configura come un racconto in musica, un itinerario emotivo che attraversa profondità e leggerezza, inquietudine e felicità, affidato a interpreti di assoluto rilievo. Un appuntamento che conferma ancora una volta il Teatro Verdi di Pordenone come punto di riferimento per la grande musica internazionale

Come di consueto, il Caffè Licinio sarà aperto dalle 19.00 per aperitivo e buffet pre-spettacolo.

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La trasposizione teatrale sceglie una via essenziale e fortemente evocativa. Sul palco due sole interpreti, Silvia Gallerano e Alessia Giangiuliani, danno corpo a tutti i personaggi della vicenda, moltiplicando voci e presenze attraverso un lavoro attorale di grande precisione. Accanto a loro, la fisarmonica e la voce dal vivo di Marlene Fuochi accompagnano e amplificano la narrazione.

«L’obiettivo drammaturgico e registico – spiegano Pedullà e Postorino – è costruire uno spettacolo che propone una sorta di film in assenza di cinema, perseguendo una sintesi fra tutti i linguaggi scenici: drammaturgia del suono e della luce, corpo e voce delle attrici, musiche registrate e suonate dal vivo da una fisarmonica. Gli spettatori sono coinvolti in modo attivo, perché devono riempire con l’immaginazione il vuoto di ciò che non è mostrato in scena». Un dispositivo teatrale che lavora per sottrazione, privilegiando l’intensità emotiva e la tensione etica. Il risultato è un’esperienza altamente immersiva, che non si limita a raccontare una storia, ma interroga lo spettatore sulla fragilità delle scelte individuali e sulla capacità – o incapacità – di opporsi alla disumanizzazione

Prodotto dal Teatro Popolare d’Arte, “L’assaggiatrice di Hitler” si impone come uno degli appuntamenti più intensi della programmazione prosa del Verdi: un racconto al femminile che attraversa la Storia per parlare al presente, mettendo in luce le zone d’ombra dell’animo umano e la sottile linea che separa la sopravvivenza dalla complicità.

Come di consueto, il Caffè Licinio sarà aperto dalle 19.00 per aperitivo e buffet pre-spettacolo.

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Al centro della scena, il pianista tedesco Luca Sestak, classe 1995, autentico fenomeno internazionale. Accanto a lui, Luca Genze al basso elettrico e contrabbasso e Nicholas Stampf alla batteria, per un trio affiatato e dinamico che non si limita a interpretare, ma reinventa radicalmente il repertorio, trasformando ogni esecuzione in una sorprendente avventura sonora.

Il programma, tratto dall’ultimo album Lighter Notes, è un invito a riscoprire la musica con uno sguardo nuovo: qui le grandi pagine della tradizione si aprono a inattese metamorfosi stilistiche, in cui Chopin può diventare irresistibilmente funky e Bach sembra improvvisare in un jazz club. Non semplici arrangiamenti, ma vere e proprie “decostruzioni” musicali, realizzate con intelligenza, ironia e una straordinaria padronanza tecnica, che giocano con le aspettative dell’ascoltatore e lo conducono in territori sonori imprevedibili. La cifra distintiva del trio è proprio questa libertà creativa: una fusione fluida tra jazz, blues, boogie-woogie, classica e suggestioni pop, che si traduce in groove energici, melodie piene di anima e una costante capacità di dialogo con il pubblico.

Il pianismo di Sestak, brillante e comunicativo, alterna momenti di puro virtuosismo a passaggi più intimi e lirici, sempre sostenuto da una sezione ritmica solida e reattiva, capace di amplificare ogni sfumatura espressiva.

Il percorso artistico di Sestak affonda le radici in una precoce scoperta del jazz che, già a undici anni, ha segnato una svolta decisiva rispetto alla formazione classica, aprendolo a una visione musicale libera e sperimentale. Da quel momento, la sua curiosità lo ha portato a esplorare generi e linguaggi diversi, sviluppando uno stile personale in cui tradizione e contemporaneità convivono senza gerarchie.

Attivo sulla scena internazionale fin da giovanissimo, Sestak ha iniziato a esibirsi dal vivo a soli quattordici anni, costruendo progressivamente una carriera che lo ha portato sui palcoscenici di festival e sale da concerto in tutto il mondo.

Artista ufficiale Kawai dal 2018, compositore prolifico con diversi album all’attivo, ha suonato anche in contesti istituzionali di rilievo, tra cui esibizioni per il Presidente Federale della Germania e per il Presidente dell’Irlanda, fino alla diffusione sulle piattaforme online delle sue composizioni, confermando una versatilità capace di attraversare ed entusiasmare ambiti e contesti differenti, dalle sale da concerto al pubblico globale.

Il concerto al Verdi di Pordenone rappresenta un’occasione unica per il pubblico regionale di entrare in contatto con una proposta artistica capace di unire divertimento e talento, tradizione e innovazione. Un’esperienza che invita a lasciarsi sorprendere da una musica che sa essere, al tempo stesso, sofisticata e profondamente comunicativa. Come di consueto, il “Caffè Licinio” sarà aperto dalle 19.00 per un aperitivo o per un buffet pre-spettacolo.

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